. تاریخ نقاشی پر از نام هایی است که نگاه ما به جهان را تغییر داده اند. در این مقاله بیش از ۱۰ تا از معروف ترین نقاشان معروف جهان را مرور می کنیم و درباره مشهورترین اثر هر کدام می گوییم.
جدول محتوا
1- Giotto (1266-1337)
. جوتو، مانند دیگر نقاشانی که در اینجا معرفی شده‌اند، باعث ایجاد گذار از یک شیوه‌ی قدیمی به شیوه‌ای جدید برای دیدن جهان شد. پیش از جوتو، نقاشی‌ها اغلب طلاکاری، کنده‌کاری و تزئین می‌شدند و به‌عنوان اشیای مذهبی مورد پرستش قرار می‌گرفتند. جوتو با توانایی خود در داستان‌گویی، قدرت معنوی نقاشی را حفظ کرد؛ اما در عین حال، دیدگاه تازه‌ای را نیز شکل داد: اینکه یک نقاشی چیزی فراتر از یک شمایل مذهبی است؛ بلکه می‌تواند پنجره‌ای رو به جهان باشد.
. جوتو به فضا، نور و فرم انسانی به شیوه‌ای نگاه می‌کرد که از زمان هنر کلاسیکِ فراموش‌شده، دیگر چنین رویکردی دیده نشده بود.
. جوتو با مطالعه و مشاهده‌ی جهان پیرامون خود، نقاشی‌هایی خلق کرد که هم دارای ظرافت و زیبایی بسیار دقیق و پخته‌ای هستند و هم عمق احساسی و دراماتیک زیادی دارند.
2- Nicolas Poussin (1595-1665)
. پوسَن برای یافتن هنری عمیق‌تر از آنچه می‌توانست در دربار لویی سیزدهم در زادگاهش فرانسه پیدا کند، به ایتالیا رفت. قدرت سیاسی و فرهنگی به پاریس منتقل شده بود، اما شکوه و عظمت هنر ایتالیا در دوران گذشته باعث شده بود که رُم همچنان مکه‌ی نقاشان باشد.
. پوسَن (همراه با دوستش کلود لورَن) نقش مهمی در تبدیل نقاشی منظره از جایگاهی کم‌اهمیت، که صرفاً به‌عنوان پس‌زمینه‌ای برای پیکره‌ها استفاده می‌شد، به یک ژانر مستقل و معتبر داشتند.
نقاشی‌های پوسَن ممکن است برای چشمان امروزی ما که صبر و حوصله‌ی خواندن یک روایت تصویری پیچیده را از دست داده‌اند، دشوار و دور از دسترس به نظر برسند. اما داستان زندگی او، داستانی مدرن و الهام‌بخش است.
پوسَن یکی از نخستین هنرمندان مستقلی بود که آنچه را خودش می‌خواست نقاشی می‌کرد و برای گروه کوچکی از مجموعه‌دارانی که برای مهارت و درک هنری او احترام قائل بودند، آثارش را می‌آفرید.
از نظر من، او نمونه‌ی ایده‌آل یک نقاش است؛ هنرمندی که از هوش، احساس و درستکاری برخوردار است.
3- Caravaggio (1571-1610)
. کاراواجو یک «ستاره‌ی راکِ نقاشی» بود که، درست مطابق کلیشه‌ی چنین شخصیت‌هایی، زندگی پرهیاهویی داشت و جوان از دنیا رفت. با وجود همه‌ی ماجراهای مربوط به روابط جنسی، مواد مخدر و سابقه‌ی دستگیری‌اش، او به شکلی توانست نقاشی غرب را دگرگون و متحول کند.
سبک نوآورانه‌ی او بر یک نسل از هنرمندان اروپایی تأثیر گذاشت؛ از جمله روبنس، هالس، رامبرانت، ورمیر و ولاسکز.
. نقاشی‌های کاراواجو شیوه‌ای پویا از ترکیب‌بندی را معرفی کردند که در آن از تضادهای شدید میان نور و تاریکی استفاده می‌شد. این روش نمایشیِ «کیاروسکورو» (Chiaroscuro) جایگزین سایه‌روشن‌های ظریف و رنگ‌آمیزی‌های لطیفی شد که ویژگی شاخص نقاشی پیکره در دوره‌ی رنسانس بودند.
. کاراواجو همچنین نوعی واقع‌گرایی رادیکال و جسورانه را به وجود آورد؛ او دزدان، گدایان و روسپی‌هایی را که در خیابان‌های رُم می‌شناخت، به‌عنوان عیسی، مریم و حواریون در نقاشی‌هایش به تصویر می‌کشید.
ترکیب‌بندی‌های عظیم و هنرمندانه‌ی او برای مقامات مذهبی رسواکننده و جنجال‌برانگیز بود، اما برای نقاشان جوان هیجان‌انگیز و الهام‌بخش به نظر می‌رسید.
من تا زمانی که یکی از نقاشی‌های کاراواجو را از نزدیک و به‌صورت واقعی ندیدم، قدرت و تأثیرگذاری آثارش را درک نکرده بودم. وقتی در یک کلیسای کم‌نور در رُم، روبه‌روی تابلوی «شهادت سنت متی» (The Martyrdom of Saint Matthew) ایستادم، ابعاد عظیم ترکیب‌بندی، هماهنگی و بازی نور و تاریکی، و «حضور واقعی» پیکره‌ها، مرا مستقیماً به درون تراژدی و خشونت این داستان کشاند.
به زبان ساده، کاراواجو یک جادوگر بود و جادوی او هنوز هم منحصربه‌فرد، قدرتمند و غیرقابل‌درک به‌طور کامل است.
4- Paul Cezanne (1839-1906)
. هر از گاهی هنرمندی ظهور می‌کند که به همان اندازه که هنرمندِ بصری است، دانشمند نیز هست. این افراد شیوه‌ای تازه برای دیدن دارند که بر اساس درک منحصربه‌فرد خودشان از ساختار طبیعت شکل گرفته است. وقتی این شیوه‌ی تازه‌ی دیدن به رنگ‌ها و رنگ‌دانه‌ها منتقل می‌شود، شیوه‌ای جدید برای نقاشی کردن به وجود می‌آورد.
سزان (Cézanne) در این دسته قرار می‌گیرد. او نابغه‌ای بعید و غیرمنتظره بود؛ پسری روستایی از خانواده‌ای ثروتمند و تازه‌به‌دوران‌رسیده در پرووانس که نوعی احساس رنجش و عقده نسبت به جایگاه اجتماعی خود داشت. او برای جا افتادن در دنیای هنری پاریس با مشکلات زیادی روبه‌رو بود.
کار سزان زمانی ثبات بیشتری پیدا کرد که نقاش مهربان، پیِسارو (Pissarro)، او را زیر بال‌وپر خود گرفت و با یک سه‌پایه‌ی نقاشی فرانسوی او را به فضای باز برد. پیسارو به سزان توصیه کرد دست از نقاشی کردن بر اساس تخیل تاریک و ذهن درونی خودش بردارد و در عوض، نور طبیعت را مشاهده و مطالعه کند.
. از آن زمان به بعد، سزان خود را وقف «نقاشی ادراکی» (Perceptual Painting) کرد؛ یعنی مشاهده‌ی مستقیم مناظر، اشیا و پیکره‌ها. این موضوعات متنوع با ثبت دقیق و سخت‌گیرانه‌ی رنگ و فرم و همچنین باور بسیار راسخ و مطمئن او به شیوه‌ی خاص خودش برای دیدن جهان، به یکدیگر پیوند می‌خوردند.
. تأکید سزان بر «تاش» (Tache)، یعنی لکه یا تکه‌ای از رنگدانه که مستقیماً رنگ مشاهده‌شده در طبیعت را بازتاب می‌دهد، باعث شد فضای تصویری‌ای که قرن‌ها بر نقاشی مسلط بود، تخت و مسطح شود. برخلاف مونه و دیگر نقاشان امپرسیونیست، آثار او بیشتر یادآور پوسَن هستند؛ چرا که تمرکز اصلی سزان بر فرم بود، نه نور.
سزان راه را برای تأکید تازه‌ای بر نقاشی به‌عنوان یک سطح تخت و دوبعدی باز کرد، نه به‌عنوان پنجره‌ای رو به یک جهان سه‌بعدی. به این ترتیب، او هنر را به نوعی به نقطه‌ی آغاز بازگرداند: «نقاشی به‌عنوان یک شیء».
ماتیس درباره‌ی تابلوی «سه حمام‌کننده» (Three Bathers) اثر سزان، که زمانی که خودش هنرمندی جوان و درگیر مشکلات مالی بود آن را خرید، چنین گفت:
. «در سی‌وهفت سالی که این بوم را در اختیار داشته‌ام، کم‌وبیش آن را به‌خوبی شناخته‌ام؛ هرچند امیدوارم هنوز کاملاً آن را نشناخته باشم. این اثر در لحظات بحرانی مسیر هنری‌ام، از نظر روحی مرا حفظ کرده است؛ من ایمان و پشتکارم را از آن گرفته‌ام…»
قدرت آثار سزان چنین است. فراتر از زیبایی رنگ‌هایش، پیچیدگی هندسی ترکیب‌بندی‌هایش و کاوش عمیقش در یک زمان و مکان مشخص، چیزی حتی مهم‌تر وجود دارد: سزان با تمرکزی بی‌وقفه، جهانی از تصاویر را بنا کرد که کاملاً و به‌طور منحصربه‌فرد متعلق به خودش بودند.
Richard Diebenkorn (1922-1993)
. کلمه‌ای که وقتی به ریچارد دیبنکورن (Richard Diebenkorn) فکر می‌کنم به ذهنم می‌رسد، «پروتئَن» (Protean) است؛ یعنی بسیار تغییرپذیر و دارای شکل‌های گوناگون.
در طول سال‌های طولانی فعالیتش در استودیو، سبک و آثار دیبنکورن بارها تغییر شکل داد: از انتزاعی که بر پایه‌ی منظره شکل گرفته بود، به منظره‌ای که بر پایه‌ی انتزاع شکل گرفته بود؛ از طبیعت بی‌جان‌های کوچک‌مقیاس و مشاهده‌شده، به آثار ابداعی و مینیمالیستی در مقیاس بزرگ؛ و از طراحی‌های گرافیکی با جوهر سیاه‌وسفید، به نقاشی‌های ژست‌محور و سرشار از رنگ.
. بعضی هنرمندان سبک خود را برای دنبال کردن مد روز و افزایش فروش آثارشان تغییر می‌دهند. اما درباره‌ی دیبنکورن درست برعکس بود؛ او اغلب خود را در تضاد با آنچه در بازار هنرِ زمانه مُد و محبوب بود، می‌یافت.
دیبنکورن در رفت‌وآمد میان واقع‌گرایی و انتزاع، تنها از الهام و ندای درونی خودش پیروی می‌کرد. او مطالعه می‌کرد، از دیگران وام می‌گرفت، تجربه می‌کرد و سپس روی یک مجموعه متمرکز می‌شد و آن را تا جایی که می‌توانست پیش می‌برد؛ تا زمانی که ایده‌ی دیگری شکل می‌گرفت و بعد همان ایده را تا انتها دنبال می‌کرد.
هر یک از مجموعه‌های آثار دیبنکورن به‌خودی‌خود کامل و مستقل است، اما در عین حال از تصاویری که پیش از آن خلق کرده بود رشد می‌کند. هر مجموعه بر رنگ تأکید دارد؛ رنگ‌هایی که گاهی ظریف و آرام‌اند و گاهی بدون هیچ عذرخواهی، تزئینی و چشمگیر هستند.
هر دوره از کار او ریشه در مکان و نور خاصی دارد؛ از انتزاع‌های اولیه‌ای که در نیومکزیکو و ایندیانا خلق شدند، تا ترکیب‌بندی‌های متأخری که از مناظر کالیفرنیا الهام گرفتند؛ مناظری که دیبنکورن آن‌ها را به بخشی از دنیای هنری خودش تبدیل کرده بود.
. با آخرین مجموعه‌ی آثارش، یعنی مجموعه‌ی بزرگ «اوشن پارک» (Ocean Park)، دوباره به همان نقطه‌ای برمی‌گردیم که با جوتو از آن شروع کردیم: هنری که ریشه در معنویت دارد و در عین حال، به شکلی فوق‌العاده و شگفت‌انگیز، درباره‌ی زیبایی فیزیکی و ملموسِ خودِ رنگ نیز هست.
ریچارد دیبنکورن، بنا بر تمام روایت‌ها، از آن نوع نادرِ نابغه‌هایی بود که مهربان، بخشنده و پدری خانواده‌دوست و محبوب بود.
او تنها از الهام و ندای درونی خودش پیروی می‌کرد و این حس به من دست می‌دهد که اگر شهرت و ثروت هم به دنبال او نمی‌آمدند، باز هم با زندگی‌اش مشکلی نداشت. هدف اصلی زندگی هنری او این بود که به خودش آزادی دنبال کردن تخیلش با دست و چشم‌هایش را بدهد، و در انجام این کار واقعاً موفق شد.
لئوناردو داوینچی (۱۴۵۲ تا ۱۵۱۹)
. داوینچی نقاش، دانشمند و مخترع دوره رنسانس بود. مشهورترین آثارش مونالیزا و شام آخر هستند. مونالیزا امروز در موزه لوور نگهداری می شود.
میکل آنژ (۱۴۷۵ تا ۱۵۶۴)
. میکل آنژ بیشتر به عنوان مجسمه ساز شناخته می شود، اما نقاشی سقف کلیسای سیستین در واتیکان او را به یکی از بزرگ ترین نقاشان تاریخ تبدیل کرد. این اثر در سال های ۱۵۰۸ تا ۱۵۱۲ کشیده شد.
رافائل (۱۴۸۳ تا ۱۵۲۰)
– رافائل با ترکیب بندی متعادل و رنگ های هماهنگ شناخته می شود. مشهورترین اثرش مدرسه آتن است که فیلسوفان یونان باستان را در یک فضای معماری نشان می دهد.
رامبراند (۱۶۰۶ تا ۱۶۶۹)
-رامبراند استاد پرتره و نور در عصر طلایی هلند بود. مشهورترین اثرش گشت شبانه در ریکس موزیوم آمستردام نگهداری می شود.
وینسنت ونگوگ (۱۸۵۳ تا ۱۸۹۰)
-ونگوگ با ضربه های قلم پرانرژی و رنگ های درخشان شناخته می شود. شب پرستاره و آفتابگردان ها از معروف ترین کارهای او هستند. می توانید آثارش را در موزه ونگوگ ببینید.
کلود مونه (۱۸۴۰ تا ۱۹۲۶)
-مونه از بنیان گذاران امپرسیونیسم است. نام این سبک از اثر او ،»امپرسیون ،طلوع آفتاب« (۱۸۷۲)، گرفته شد.
پابلو پیکاسو (۱۸۸۱ تا ۱۹۷۳)
-پیکاسو همراه ژرژ براک کوبیسم را پایه گذاری کرد. گرنیکا (۱۹۳۷) که واکنش او به بمباران شهر گرنیکا در جنگ داخلی اسپانیا است، از مشهورترین نقاشی های قرن بیستم است.
این نقاشان در چه سبک هایی کار می کردند؟
-هر نقاش در یک جنبش هنری جای دارد. برای فهمیدن تفاوت رنسانس، باروک، امپرسیونیسم و کوبیسم، مقاله سبک های نقاشی از رنسانس تا مدرن را بخوانید.
مشاهده تابلو های این سبک در گالری
نقاشان ایرانی را هم بشناسید
هنر ایران هم نام های بزرگی دارد، در مقاله نقاشان معروف ایرانی با کمال الملک، سپهری و دیگران اشنا شوید
. پس بله، در این تمرینِ «معروف ترین نقاشان جهان» کمی ساده‌انگاری وجود دارد. این فهرست کاملاً شخصی، موقتی و سلیقه‌ای است؛ اما خب، همه‌ی ما به قهرمان‌هایمان نیاز داریم، نه؟
پس اگر دوست دارید، فهرست شخصی خودتان از هنرمندان برترتان را در بخش نظرات به اشتراک بگذارید.